Celuloide Un método peligroso...

Un método peligroso (2011) de David Cronenberg todavía no se estrena en Puebla, pero ya se puede observar en salas de la Ciudad de México. Se trata de un director que ya está lejos de sus propuestas controversiales –pero sumamente interesantes, eso sí- como M Butterfly (1993) Crash (1996) o Existenz(1999) y que empieza a asumir un estilo maduro que no ha dejado de ser áspero, pero que busca ahora centrarse en las historias más que en lo anecdótico. Lo vemos en Una historia violenta (2006), en Promesas peligrosas (2007), -ambas con Viggo Mortensen que ya parece su actor fetiche- y ahora en esta interesante cinta que presenta el momento histórico en que Freud se encuentra con Jung y en medio, la supuesta relación de este último con Sabina Spielrein, una de sus pacientes. Con una fuerte carga sexual y un interesante análisis al psicoanálisis, la historia fluye en torno a las magníficas actuaciones de Mortensen como Sigmund Freud y de Michael Fassbender (Shame, 2011; Prometo, 2012; X Men, Primera Generación, 2011)  como Carl Jung –actor que está viviendo una meteórica carrera- en un duelo fenomenal, quizá lo más sólido de la película. Keira Knightley (Orgullo y Prejuicio, 2005; Piratas del Caribe, 2003, 2006, 2007) empero, no da el ancho en un complicado papel que podría haberla llevado al estrellato total. No se trata de una actriz de pastelazo o mediocre, pero dista todavía de incluirse entre la lista de las jóvenes grandes del cine de habla inglesa, como Natalie Portman, Kate Winslet, Scarlett Johansson o incluso Emma Stone con su destacable actuación en The Help (2011). En todo caso, la película se sostiene sola y, como lo comentamos al inicio de esta entrega, encuentro el trabajo de Cronenberg cada vez más interesante, diverso y sólido, no sólo en las temáticas que trascienden la norma, sino que asume retos cada vez mayores y que resuelve de manera convincente. Sea la mafia rusa, como enPromesas peligrosas… como ahora el psicoanálisis. He de decir que espero ver el siguiente largometraje de Cronenberg, Cosmopolis (2012), interpretada por Robert Pattison –lamentablemente con el tufo de las cursis y patéticas adaptaciones de las novelas de Crepúsculo- y la siempre interesante Juliette Binoche.

 

Celuloide Colosio,el asesinato

Carlos Bolado es sin duda uno de los mejores directores que ha dado nuestro cine en años recientes. Desde su interesante cinta Bajo California, el límite del tiempo (1998), me pareció que había que seguir su trabajo. La película, interpretada por Damián Alcázar, es unroad movie clásico en el que vemos la transformación del personaje principal, en un entorno agreste, donde el arte irrumpe en una explosión de imagen que se fusiona con la excelente fotografía de Claudio Rocha (Principio y fin, 1993;Un dulce olor a muerte, 1999). Más adelante, codirige Promesas (2001) con B.Z. Goldberg y Justine Shapiro -quien escribe también Bajo California…- y entrega una entrañable pero dura visión sobre el conflicto palestino-israelí en la voz de varios niños de ambas nacionalidades. En estas dos cintas, demostró dotes de dirección lo mismo que compromiso con su tiempo al participar tanto en ficción como en documental. Ahora realiza una película de corte histórico con excelentes resultados. Primero que nada, su disquisición del asesinato del otrora candidato a la presidencia del PRI en 1994 y el seguimiento del caso –a partir de dos investigaciones, la oficial y otra ordenada por un oscuro personaje que se supone es Córdoba Montoya- en un guión atractivo y que nos tiene al filo del asiento durante toda la película. En segundo lugar, la excelente actuación de todo el reparto –por cierto, muy bien logrado, en especial en lo que se refiere a los tres “Aburtos”- del que destacaría a Daniel Giménez Cacho (Aro Tolbukhin, 2002; La zona, 2007) como el oscuro asesor de Salinas, y de Odiseo Bichir (Ciudades oscuras, 2002; El Coronel no tiene quien le escriba, 1999) como José Francisco Ruiz Massieu. En tercer lugar, la cinematografía en manos de Andrés León Becker –fotógrafo en Tlatelolco(2012), del mismo Bolado, y codirector con Javier del Solar de Más que a nada en el mundo, 2006- trasciende la mera descripción de las escenas y se convierte en un excelente elemento narrativo con primeros planos inquietantes y movimientos de cámara sugerentes. Sin duda una de las mejores propuestas de este año y que ha demostrado tener una pertinencia inusitada con el caso del supuesto “hijo” del Chapo Guzmán, que finalmente no lo era.

 

Los niños de la esperanza

El denunciar los excesos de una derecha enferma de poder siempre se agradecerá, sobre todo si viene con una visión franca y abierta, producto de una sociedad que asume sus propios horrores y omisiones, y denuncia aquellos cometidos por sus propios gobernantes. Los niños de la esperanza (2010), cinta de Rose Bosch narra la aglomeración de miles de judíos en un velódromo en París, en unos cuantos días de julio de 1942, y su posterior deportación a los campos de concentración en Europa del Este donde ya se estaba aplicando la llamada “solución final” con un saldo de seis millones de judíos, gitanos y prisioneros polacos y españoles gaseados e incinerados. Poco se ha hablado de la colaboración que dieron los políticos de la llamada República francesa de Vichy a los nazis una vez ocupada Francia y mucho menos nos ha llegado a las salas de exhibición cinematográfica. Ello respondió en primera instancia a que Francia formó parte de los aliados y se buscó borrar cualquier tipo de aspecto negativo por su parte. No obstante podemos hablar de la interesante La llave de Sara (2010), que aunque aborda de manera tangencial el hecho, explora en los remanentes sociales a través de la historia de una sobreviviente. La crudeza deLos Niños… no deja dudas ni espacios a la negación; tampoco hay lugar para los sentimentalismos ramplones de producciones hollywodenses sobre el también llamado “Holocausto” donde se privilegia la pobreza discursiva y la imagen de nota roja, lo que indudablemente resta a estas historias contundencia. No sucede así en esta cinta pues a la par de las pertinentes actuaciones del castinginfantil, lo mismo de la leyenda Jean Reno y una excelente Mélanie Laurent (Bastardos sin gloria), también está el guión que contrasta constantemente la vida de los judíos en este trance con un Hitler que, desde su fortaleza en las montañas austriacas, festeja con Eva Braun mientras organiza el exterminio racial. En momentos donde la derecha en el mundo tiene un inusitado avance, es pertinente que tengamos filmes como estos para no olvidar –recordemos que el todavía hoy presidente Sarkozy propuso leyes contra los gitanos y contra el velo musulmán femenino-. Imperdible, sobre todo porque está en unas cuantas salas y seguramente habrá de desaparecer en estos días.

Celuloide Amigos por accidente Israel León O’Farrill

Recientemente estuvo en cartelera por poco tiempo la película Amigos por Accidente (2010) del director irlandés Ian Power, con un modesto comportamiento, pero con un interés genuino por parte de los asistentes a las salas. Yo, he de decir, no pude verla en la pantalla grande, ni hablar. El interés del público surgió al ver a Demián Bichir – ya había sido nominado al Óscar- interpretando el papel principal junto con el niño Jamie Kierans en una interesante y entrañable historia, lo mismo divertida que enternecedora. En Drumlin, Irlanda vive Paco (Kierans) que es un niño cuyo padre español desaparece y lo deja solo con su madre (Kerry Condon), por lo que vive obsesionado con todo lo que tiene que ver con el castellano y lo español. Aparece un aviador colombiano, Ernesto (Bichir), que choca su aeroplano en el lugar y es ayudado por el mismo Paco que lo lleva a casa y traduce –siempre mal, por supuesto- todo lo que Ernesto quiere decir. El acontecimiento despierta a un pueblo que estaba adormecido por el abandono y el desempleo. Una excelente pieza, divertida e ideal para compartirla en familia. Otra que no pude ver en el cine fue La Mujer del Dragón Tatuado (2011) del excelente director David Fincher, responsable de portentos como Red Social (2010), Zodiaco (2007) y El Club de la Pelea (1999). Ahora que la pude ver en video, observo que es una mancha en su excelente haber. Se trata de una pobre reinterpretación de la película de Millenium I (2009) de Niels Arden Oplev, versión sueca de la novela del también sueco Stieg Larsson. Primero, el casting es mucho mejor en la europea – una dura y expresiva Noomi Rapace como Lisbeth Salander, en lugar de Rooney Mara en la de Fincher, y un periodista de carne y hueso interpretado por Michael Nyquist, en contraposición al poco creíble Daniel Craig en el mismo papel-; en segundo lugar,  Fincher no puede darle la contundencia requerida al discurso de odio hacia las mujeres que lleva implícito la novela; no se trata de una trama policiaca nada más, sino una denuncia social que hace evidente que, sin importar el grado de desarrollo del país, sigue existiendo discriminación por género. Destacan, eso sí, la excelente musicalización y la portentosa fotografía. En todo caso, recomiendo ver las dos versiones para tener una mejor referencia.

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Cristiada

Como sumamente desafortunada calificaría la cinta Cristiada (2011), dirigida por Dean Wright, ópera prima de un efectista con larga trayectoria. La cinta, protagonizada por Andy García y un extenso elenco latino con colombianos, panameños, guatemaltecos y varios mexicanos, pretende dar una visión sobre el conflicto armado que vivió México durante parte de la década de los veinte en el siglo pasado, denominado “Guerra Cristera” y que enfrentó nuevamente a la ciudadanía en dos bandos muy claros: los que estaban con el gobierno federal y los que estaban con la Iglesia Católica y los rebeldes que pretendían que se respetara el culto que las autoridades habían prohibido. El tema de suyo es complicado y requeriría ser tratado de manera inteligente para evitar caer en maniqueísmos absurdos y señalamientos sin sustento. Desafortunadamente, la película cae en lo anterior y nos presenta una historia hollywoodense de un conflicto sumamente complejo y lo convierte en una lucha de buenos –católicos bien piadosos con mártires y todo- y malos – el gobierno encabezado por Calles y su ejército lleno de gandallas mata curas y niños, esto último quizá lo más barato y ramplón de la película. Obviamente tanto el director como el guionista omiten el papel que jugó la elite eclesial desde el Vaticano hasta el Episcopado mexicano, detrás de la rebelión. No es de extrañar que el mismo Jean Meyer –historiador especialista en ese conflicto-  pidió que no se le relacionara con la historia pues lo consultaron para después no hacer caso a las correcciones que había propuesto. En lugar de llamarse Cristiada debió llamarse Gringada: con demasiada frecuencia, el cine del país vecino tiende a tocar temas históricos del lugar que se le pegue la gana y los transforma en su ingenua visión de su propia historia, repleta de súper héroes que vencen a súper villanos que sólo llega a ser creíble en el universo de Stan Lee. ¿Católicos que vencen al maquiavélico y diabólico Calles que atenta contra Jesús mismo? Bueno, supongo que la Iglesia y sus personeros en Acción Nacional y el Revolucionario Institucional así lo quieren ver; en efecto, cuesta trabajo no vincular el estreno de esta cinta con las próximas elecciones y esos partidos responsables de las reformas a la ley de culto. Si no la ve, no pasa nada; y si lo hace, atienda la probable úlcera que le producirá.         

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“Días de Gracia”

Como lo comenté en la entrega de la semana pasada, hay buen cine para nutrir la cartelera que había estado sumamente floja. Y no me refería al bodrio de Titanic, que incluso en 3D no deja de ser una de las más grandes porquerías de la cinematografía mundial. Nada de eso, me refiero a Días de Gracia (2011) de Everardo Gout, que sin duda, es una de las mejores películas mexicanas que he visto en varios años. No sólo se trata de su franco y crudo tratamiento de la corrupción en nuestro país –que se ve representada por la policía y veladamente se alude a empresas, empresarios, sus familias, en un caldo de inmundicia donde nadie sale indemne-, sino que se trata de una película compleja y excelentemente bien realizada. El guión es estupendo –también de Gout- lo mismo que la edición que dota a la narración del vertiginoso ritmo que requiere. Al igual, demanda que el espectador esté atento de pequeños detalles para no confundir las capas en que se construye la trama, los tiempos y los espacios. Aquí cabe destacar la fenomenal burla que hace al mundillo de masturbación mental que es el futbol que permite que la corrupción y la delincuencia medren, tema central de la película. Sumado a lo anterior, un sonido espectacular aderezado con la música del mítico Nick Cave y de Atticus Ross (música de El Libro de los Secretos y Red Social, ambas de 2010 y productor de la banda Nine Inch Nails) ambos elementos que hacen que el sonido sea un elemento narrativo; en este mismo tenor estaría la fotografía de Luis David Sansans que según supe, utilizó diversos tipos y tamaños de película (8,16, 35 y panorámica) para añadir mayor dramatismo a la cinta. Y finalmente, el excelente reparto –realizado por Sandra León Becker e Isabel Cortázar- que dota de contundencia y realismo a la película. Destacaría el estupendo trabajo de Tenoch Huerta como Lupe, de Dolores Heredia como Susana y el de Kristian Ferrer como Doroteo. No obstante, todos y cada uno de los personajes están en su justo nivel y los actores entregan actuaciones de primera aunque el papel fuera limitado. Sin dudarlo, esta película pisará callos gubernamentales y abollará conciencias… ojalá y pueda construir crítica del espectador a su entorno y a su propia existencia. Como diría una amiga: “si te perdiste El Infierno, pasa; si te perdiste Miss Bala, ni hablar; pero no es posible que te pierdas Días de Gracia…”

“Días de Gracia”

Como lo comenté en la entrega de la semana pasada, hay buen cine para nutrir la cartelera que había estado sumamente floja. Y no me refería al bodrio de Titanic, que incluso en 3D no deja de ser una de las más grandes porquerías de la cinematografía mundial. Nada de eso, me refiero a Días de Gracia (2011) de Everardo Gout, que sin duda, es una de las mejores películas mexicanas que he visto en varios años. No sólo se trata de su franco y crudo tratamiento de la corrupción en nuestro país –que se ve representada por la policía y veladamente se alude a empresas, empresarios, sus familias, en un caldo de inmundicia donde nadie sale indemne-, sino que se trata de una película compleja y excelentemente bien realizada. El guión es estupendo –también de Gout- lo mismo que la edición que dota a la narración del vertiginoso ritmo que requiere. Al igual, demanda que el espectador esté atento de pequeños detalles para no confundir las capas en que se construye la trama, los tiempos y los espacios. Aquí cabe destacar la fenomenal burla que hace al mundillo de masturbación mental que es el futbol que permite que la corrupción y la delincuencia medren, tema central de la película. Sumado a lo anterior, un sonido espectacular aderezado con la música del mítico Nick Cave y de Atticus Ross (música de El Libro de los Secretos y Red Social, ambas de 2010 y productor de la banda Nine Inch Nails) ambos elementos que hacen que el sonido sea un elemento narrativo; en este mismo tenor estaría la fotografía de Luis David Sansans que según supe, utilizó diversos tipos y tamaños de película (8,16, 35 y panorámica) para añadir mayor dramatismo a la cinta. Y finalmente, el excelente reparto –realizado por Sandra León Becker e Isabel Cortázar- que dota de contundencia y realismo a la película. Destacaría el estupendo trabajo de Tenoch Huerta como Lupe, de Dolores Heredia como Susana y el de Kristian Ferrer como Doroteo. No obstante, todos y cada uno de los personajes están en su justo nivel y los actores entregan actuaciones de primera aunque el papel fuera limitado. Sin dudarlo, esta película pisará callos gubernamentales y abollará conciencias… ojalá y pueda construir crítica del espectador a su entorno y a su propia existencia. Como diría una amiga: “si te perdiste El Infierno, pasa; si te perdiste Miss Bala, ni hablar; pero no es posible que te pierdas Días de Gracia…”

Lo que viene

Mientras vivimos el impasse plagado de titanes de medio pelo y de secuelas de películas adolescentes, bueno, hay que ver qué es lo que nos espera en la cartelera por venir en las próximas semanas. Primero que nada, Días de Gracia (2011) ópera prima en ficción de Everardo Gout –selección oficial del Festival de Cannes y premio a Mejor Dirección en La Mostra de Cataluña- y que promete ser uno de esos filmes que sacudirá conciencias y removerá estructuras. Por su parte, está por estrenarse A Separation (2011) del director iraní Asghar Farhadi y ganadora del Óscar a la mejor película extranjera. La historia, cuya premisa basada en una difícil decisión que ha de tomar una pareja, que bien puede producir resultados interesantes. Poco realmente ha llegado a nuestro país de cine iraní, pero recuerdo bien las entrañables Baran (2001), de Majid Majidi y El Color del Paraíso (1999), del mismo director. Una que no se pueden perder y que estará sólo unos días es la última entrega de Werner Herzog, Cave of Forgotten Dreams (2010), el interesante documental que realizó el multipremiado director alemán sobre las pinturas rupestres en las cavernas de Chauvet en el sur de Francia, proeza para la cinematografía y ejercicio fundamental para todos aquellos que no tenemos la oportunidad de viajar al lugar –y aunque pudiéramos, las cuevas están cerradas al público para evitar el deterioro de las pinturas-; de igual manera, el hecho de que el realizador sea el director de Nosferatu (1979) Aguirre, la cólera de Dios (1972), y de lo más reciente, El Invencible (2001). Viene además Cristiada (2012), primera película del director Dean Wright -más conocido por ser experto en efectos especiales- y que causará controversia por su tema: La guerra de los Cristeros de la que poco se habla. Por cierto que Jean Meyer, historiador versado en el acontecimiento, ha negado su aval a la historia después de haber sido consultado y ver que el guión tenía errores históricos que no se corrigieron, según afirma su hijo Matías Meyer en entrevista con Columba Vértiz para Proceso. Habrá que ver su propia versión en la cinta Los Últimos Cristeros (2011) que todavía no tiene una fecha para el estreno. Como se ve, hay muchas opciones en el futuro.

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Los juegos del hambre

Mucho celuloide ha dedicado la cinematografía mundial a pronosticar el futuro… y la mayoría lo ha mostrado decadente, corrupto, vanidoso y plagado de opresión social, desigualdad y un profundo sentido de injusticia… o lo que es lo mismo, una proyección de nuestro presente que es exactamente igual a lo descrito. Desde Metrópolis de Fritz Lang (1927), pasando por Cuando el destino nos alcance (1973), Brazil (1985) del mítico Terry Gilliam, la legendaria Blade Runner (1982), hasta llegar a las deprimentes El último camino (2009) o el Libro de los secretos (2010) en donde la desesperanza es la tónica. Sin embargo, en esa decadencia han aparecido un subgrupo que para efectos de esta entrega llamaré “juegos del futuro”. En estas cintas, es frecuente ver que los grupos de poder retoman el circo romano para tener a las masas tranquilas a través de la distracción proporcionada por los sacrificables que se baten en juegos con temáticas sumamente sofisticadas. Pertenecen a este grupo la sugerente Rollerball (1975) de Norman Jewison o el mega churro El Sobreviviente (1987) donde el Governator entrega una de sus peores actuaciones. Este año añadimos a la lista Los juegos del hambre (2012) dirigida por Gary Ross, director de Seabisquit (2003) y Pleasentville (1998), cintas que pese a ser algo cursis, son interesantes propuestas. La premisa es similar a otras historias: sobrevivir y de esa manera entretener a una enferma audiencia gustosa de saborear sangre, en una civilización que, al igual que Roma, ha medrado y ha sometido a sus vecinos más débiles. Quizá lo novedoso –y mórbido, indudablemente- en esta película es el hecho de que los contendientes que han de morir son jóvenes de 12 a 17 años, lo que sin duda añade dramatismo y arranca expresiones de indignación por parte del público. Destacan de la cinta las excelentes actuaciones de los protagonistas Jennifer Lawrence, como Katniss Everdeen y Josh Hutcherson como Peeta Malark. Como es de esperar, la historia gira en torno de los jóvenes involucrados en el juego aunque habría que añadir que el estupendo manejo de cámara, nutrido de sugerentes acercamientos y algunos movimientos frenéticos de cámara, le añaden interés a la película. Se suman a lo anterior el vestuario y uno que otro escenario interesante. Sin mayores pretensiones, cumple el requisito.

La Dama de Hierro

Cuando miré la cartelera de esta semana noté no con cierta decepción, que La Dama de Hierro (2011) ya no estaba, ni siquiera porque Meryl Streep hubiera ganado el Óscar a mejor actriz, o porque estuviera personificando a una de las mujeres más intensas y representativas del siglo pasado: Margaret Thatcher, primera ministra del partido Conservador toda la década de los ochenta del siglo pasado, acosada por el Ejército Republicano Irlandés, de mano dura a nivel económico y protagonista de la Guerra de las Malvinas contra Argentina. “La Dama de Hierro”, como se le conoció, hizo migas políticas inmediatamente con Ronald Reagan de lo que surgió una dupla conservadora que marcó la década de los ochenta en el mundo. La película se centra en la vida de esta mujer, exponiendo su difícil carácter y su eventual abandono de todo lo que le era importante en pos de alcanzar los puestos políticos más relevantes en su país. Por tanto, vale la pena apreciar el interesante trabajo que realiza Phyllida Chrisitian Lloyd al abordar la complicada vida de semejante monstruo político.  Elude hacer una película histórica y decide centrarse en el personaje para contar la historia. Por lo mismo, resulta obvio que para el papel se requeriría de alguien en extremo convincente y encontró en la figura de Streep a un auténtico portento de actuación. Difícil labor para una actriz norteamericana interpretar a un personaje británico, tan bien estudiado, tan flemático y con una personalidad tan definida. Streep cumple a cabalidad con el requisito y nos entrega una de sus más grandes actuaciones, lo que indudablemente le hizo merecedora a la preciada estatuilla. La excelente actriz de Las Horas (2002) o La Duda (2008), nos presenta a una mujer obnubilada por el poder y deseosa constantemente por demostrar su valía; vemos a una Streep pasar de la madurez de Thatcher -en movimiento constante hacia la solidez de su vida como política- a su vejez, en que se debate entre las glorias pasadas, la muerte de su marido –que no deja marcharse, por cierto- y  la demencia que la aqueja… Streep está estupenda, lo mismo que el maquillaje y el diseño de producción. Si la encuentra en cartelera, no se la pierda. Si no, habrá que esperarla en video.

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